16 位當代藝術家，有些以紀實式攝影記載過去個人，社會，政治的議題，一部份藝術家，則是在日常的創作練習裡，以攝
本屆台日當代攝影展邀請了衫本博司、東松照明、森山大道
展期：2011/8/26-9/22
時間：平日/10am-7pm；假日/2pm-6pm
地點：台北市敦化南路一段252巷22號（易雅居進口傢俱當代空間）
開幕：2011/8/26 3pm-9pm
媒體與藏家開幕 3:00 -5:00 pm ︱ 開幕酒會 6:00 - 9:00 pm
如果說台灣的藝術家，要在全球的當代藝術裡面被注意到，應該是以“錄像類”的藝術家為首要考量。相對於日本，最常被提到以及報導的類型藝術家，應該是攝影類的藝術家。源於這個考量，繼去年的“生活的藝術 - 台日當代藝術展”以繪畫雕塑媒材為主的展覽之後，我們以一年的時間，規劃了這次的台日當代攝影大師聯展，在選件以及決定藝術家的過程中，我們發現這次的16 位當代藝術家，有些以紀實，文件式的攝影作品，忠實的記載過去個人，社會，政治的議題，一部份藝術家，則是在日常的創作練習裡，以攝影或照片當成媒材，追尋創新的未來藝術形式，而有ㄧ部份，則是介於兩者之間，試圖透過不斷的實驗，發覺未知的藝術世界。於是，我們統和這些不同的形式，為這次的展覽，正式定調為“真實，試煉與魔幻 – 台日當代攝影聯展（ Documented, Doubted, and Imagined Realities : Contemporary Photography from Japan and Taiwan)。
東松照明1961 年成立的“VIVO 攝影團體”為紀實攝影引發新風潮，並深刻影響後來日本的攝影風格。他在戰敗日本的社會成長，對於傳統與西化間所形成的衝擊留下歷史的影像紀錄，他曾多次來台灣旅行並攝影，早期的蘭嶼原住民，以及後期的“南島”攝影集，都留有台灣的影記。作品被喻為“可以ㄧ窺日本當代攝影的原點”。東松目前居住在琉球。中平卓馬創立“ Provoke ”團體，對於當下的日本攝影提出爆炸性的宣言，成為當代攝影的新美學觀，中平不只是攝影師，同時也是評論家。Provoke 替當時的日本，引進ㄧ股新的風氣，失焦，粗粒，晃動相機等理論的提出，日本的新世代稱他為“傳說中的寫真家”，1977年的ㄧ場大病，中平失去語言與記憶力，兩年後恢復，還不停的創作。這次挑選的作品，是他在 2003 年於橫檳美術館舉辦的個展“原點復歸橫檳 ( Degree Zero Yokohama )”的精彩作品，他目前居住在橫檳郊區。在這本目錄裡，他提到：“拍照，不是創造也不是記憶，而是紀錄，按下快門並不是抽象，是很真實的。”
杉本博司的新作“ 放電場 ( Lighting Filed ) ”如果單看黑白照片，以為是在大自然的原野裡，用相機紀錄的自然美景，看似黑暗樹林裡的植物或是海底生物。其實不然，杉本這次變身為科學家，直接跟發明電的班傑明福蘭克林接上線，他在工作室裡面，使用電擊箱設備，直接在底片上創作，完全不使用相機。福蘭克林在下雨天時放風箏，而杉本則在工作室的暗房裡“放電”，這系列的作品是他 2006年以前就開始的創作，2010 年先參加雪梨雙年展，之後在紐約發表，獲得極高的評價。我們所處的世界，其實充滿著電流，杉本經過許多的測試，投身於科學的研究。將人眼看不到的影像，紀錄下來。他的其他作品例如“戲院”系列，租戲院，並開著放映機ㄧ場電影的時間，他將相機打開，放映結束後關上相機，長時間曝光將ㄧ部電影的時間，收在ㄧ張照片裡。杉本在攝影界擁有崇高地位，卻一直在挑戰藝術的極限。
多樣的森村泰昌長時間研習日本以及歐美近代美術史，並作為創作的靈感源頭，森村帶著詼諧而認真的態度探討歐美美術史中重要的“藝術事件”，並予以重現。對荷蘭光的繪畫大師弗梅爾(Johan Vermeer )的“帶著珍珠耳環的少女”如何將光譜線條轉成相紙的過程，重現當年弗梅爾透過觀景框，將光繪畫到畫布的意境。在畢卡索的立體人像作品中，將臉與身體轉換成平面繪畫的一部份，製造攝影照片的立體派。他在“安魂曲：無止境的夢 (ＡRequiem : Infinite Dream ), 2007”中，重現切格瓦拉當年“英勇的游擊隊員”的照片，該照片後來成為馬克斯主義革命的代表，同時也是被複製最多的攝影作品。
米田知子去年受邀來台參加“關渡雙年展”，新作品紀錄台灣日據時代的老房子，“看見與看不見之間（Between Visible and Invisible )”她以ㄧ系列眼鏡表達不同的歷史事件，眼鏡後面，有著富文學性的感人故事。這次選擇的兩件作品，分別是托洛斯基，蘇聯共產黨列寧接班人，被史達林排擠而逃亡，之後去了墨西哥，多次被暗殺最後死於客鄉，照片裡，第一次被暗殺後，透過當年托洛斯基所戴的眼鏡觀看燒焦的俄語字典。 另ㄧ張則是德國名編劇家貝爾托布萊希特 （Bertolt Brecht ）的眼鏡，閱讀“攝影小史”作者，華特班雅明摘錄“三個便士劇”的名句。米田創作的彩色照片，經常隱藏驚人的歷史事件，這次選擇的美麗綠森林與游泳池，都在過去的歷史裡帶著不美麗的過去。
野口里佳的攝影地點，包括紐約，邁阿密，阿姆斯特丹及富士山，作品中透露出人造與大自然間奇特詭譎的接軌，她的作品“A Prime”以富士山的日出作為不同面向，野口的攝影不玩弄數位技巧，追求所謂“真實時刻 ( Moment of True )”以創造宇宙間的奇特景象。作品“ 夢見巴比倫 ( Dreaming of Babylon )” 被古根漢美術館珍藏，這系列作品，堪稱近似19 世紀德國畫家 Casper David Friedrich 的再現。此次我們展出“太陽”系列，是他在東京國立新美術館的展出作品，透過針孔的曝光，捕捉太陽的顏色樣貌。
畠山直哉在1986年起拍攝的煤礦場照片，將彩色的礦石呈現在相紙上 ，“河流”系列，1993 – 1996 年的作品讓他聲名遠播，這系列的作品，帶領大家進入美麗的彩色世界，但是對屏的上下作品，讓觀者感受到工業建築的壓力。而“地下”系列所攝製的地下水道作品，幽暗的寶藍色，再次點出人工的都市下水道確有著富詩意的外表。畠山作品經常以飽和的色彩，美學的觀點攝製圍繞在人類試圖製造的工業建築載體（下水道，人工河，礦坑）。鈴木里策從年輕時就獲獎無數，他的作品經常在日本，亞洲，以及美國展出。他的攝影，經常重複相同的題材，然後依照季節重新排列，我們可以在觀看照片時，看到藝術家來回在“當下”以及“永恆”之間徘徊。這次的作品“白 ( White )”是鈴木自2009年起到2011年所拍攝的照片，地點在熊野區，鈴木的故鄉，自古以來，為日本修驗道盛行的地點。
木村友紀利用找到的舊照片底片作為創作的媒材，透過對於時間以及畫面的思考分析，在展廳裡，以二度或是三度空間方式展示作品，從 1999 年在伊斯坦堡雙年展國際曝光後，展約不斷，今年的橫檳三年展也是受邀藝術家。木村經常使用舊的照片（父親的相簿，旅行買到的照片，朋友寄的照片，以不同方式到達藝術家手裡），裡面的題材，是攝影者的觀點，她重新擺放在空間裡，觀眾從這些舊的照片，看到當時新的意涵。西野達，ㄧ位美術館以及雙年展的常客，他在今年的新加坡雙年展作品“魚尾獅飯店 Merlion Hotel”成為家喻戶曉的明星，他把新加坡的國寶“魚尾獅”雕塑，變成飯店房間床前的裝置物。長期居住德國，這次參展的作品，暗藏許多玄機，他在橫檳市的街頭，以建築用的吊高機，將ㄧ件件現成物，串聯在頭上，然後拍攝。“豆腐菩薩”的做法，也是以人工堆積豆腐後作雕刻，西野達，總是挑戰不可能的任務。
袁廣鳴是另ㄧ位以錄像及裝置作品遊走各個重要雙年展的藝術家， 也是台灣早期錄像裝置的先鋒。“盤中魚”，“鳥籠”，“漂浮”等錄像作品確定他的創作風格走向，而裝置作品“難眠的理由”更使廣明受到國際的矚目，這次的作品“城市失格”是他當年參加威尼斯雙年展的作品之ㄧ，作品的拍攝地點在西門盯的交通要道。大多數當代藝術家創作以繪畫作為開始，但是後來半途轉成其他媒材，吳天章也有相似的過程，但是不同於其他藝術家的是，他在很成功的時候，決定停下來，準備了幾年，再出現時，就以“攝影”取代了畫布，同時進軍錄像，吳的作品雖然在不同時期使用不同媒材，但是主題依然圍繞在政治，社會的議題，使用媚俗 ( Kitsch )的本土風格，製造詭譎的魅力，自成台灣普普風。他對於攝影的安排態度，儼然在繪製ㄧ幅畫，而背景道具大都是他親手繪製。這次的作品，是下個錄像作品的“序曲”，媚俗的裝扮，看見變裝的少女，看完這個“預告片”，對於新的錄像有很多期待。
第一次見到廖健行的作品，是在紐約的布朗美術館個展裡，巨大的彩色照片“基鐵大戰 ( Yankees Stadiums )”，“交叉道 ( Cross Bronx Expressway )”擺在中間，然後兩排密密麻麻單張建築物以裝置方式排列兩旁，廖如數家珍的介紹每間建築物的歷史，他的“七號地鐵 ( Habitat 7 )”得過紐約時報的攝影大獎， 2010 年在洛杉磯的 Paul Getty Museum 展覽，作品同時被該美術館典藏。
相關網頁：易雅居
想看(扭)
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